Mother Future Self

Crítica em português

Reconheço ter tido dificuldade em me envolver emocional e espiritualmente com este Mother Future Self, embora acredite que isto tenha menos relação com a experiência desenvolvida por Tori Lancaster do que com a minha sensação crescente de esgotamento diante de um tipo de cinema independente estadunidense que transforma relacionamentos mal resolvidos e reencontros inesperados em trajetórias de autoconhecimento. Ou, o contrário, transformam espaços de retiro, conexão espiritual ou criação artística em uma arena onde o passado insiste em persistir.

Mother Future Self cria um desses ambientes: um acampamento na natureza para que os participantes reconectem-se consigo mesmos e com o mundo, explorem a mente e o corpo, e produzam uma performance artística ao término da experiência. Nesse cenário, Sofi (Imani Jade Powers) e Jordan (Betsey Brown) reencontram-se depois de anos afastadas, por uma causa não inteiramente muito bem elaborada, e portanto espaço para que o conflito reapareça. O contraste não poderia ser mais brutal entre a experiência externa e a experiência interna, aquele ato de remoer de forma confusa os sentimentos e ressentimentos.

O acampamento é sinônimo de desaceleração e de vivência do presente. Os sons dos pássaros característicos da região, juntamente com os sons da natureza, preenchem a paisagem em um convite à contemplação. Uma serenidade que é ameaçada tão logo surja Jordan, que vibra em uma frequência diferente de todos os demais.

Admiro como a diretora evita verbalizar imediatamente o conflito em confronto. Sentimos a sua presença pelo desconforto ou por gestos e olhares que evidenciam a tensão que perturba a harmonia coletiva, mas sobretudo individual de Sofi. Encarado dessa forma, a narrativa tem bastante sensibilidade ao considerar como nem todo vínculo afetivo termina de maneira clara e definitiva; que algumas cicatrizes não nos tornam pessoas melhores ou nos ajudam a compreender o mundo e a habitá-lo melhor. Especialmente quando o passado permanece um tópico presente, permanentemente não resolvido.

A estrutura do acampamento reforça isso. Enquanto os participantes são estimulados a desenvolver a consciência corporal, colaboração e presença, as protagonistas permanecem presas a acontecimentos de quase uma década antes. É uma ironia que aprecio: o espaço existe para ensinar a seus frequentadores a habitar o agora, mas o filme mostra personagens incapazes de abandonar aquilo que carregam em si. Isto me obriga a pensar no flashback como ferramenta narrativa. Enquanto muitos enxergam o flashback como um mecanismo fílmico capaz de proporcionar informações e explicações, eu prefiro vê-lo como um dispositivo para revelar como o passado persiste no agora e se articula em um presente paralelo, digamos assim.

Por falar em articulação, a entre corpo e memória é o aspecto mais convidativo da obra. Lancaster incorpora ao filme exercícios reais de dança e práticas desenvolvidas dentro desse tipo de residência artística. Em alguns momentos, a narrativa parece suspender seu avanço dramático para observar os corpos experimentando movimento. Isto dá à narrativa de ficção um registro praticamente documental, fora ser meio para que o espectador crie sensibilidade para uma arte abstrata como é a dança, na qual os estados emocionais manifestam-se fisicamente diante da câmera a partir dos movimentos dos personagens.

Ao mesmo tempo, Mother Future Self é herdeiro de uma vertente bastante específica do cinema independente estadunidense, interessada em personagens emocionalmente feridas que reencontram os seus afetos passados em ambientes de introspecção coletiva, onde também podem elaborá-los. Que esses espaços estejam povoados por pessoas que não performam o padrão comportamental narrativo, embora o experimentem em alguma medida, torna tudo ainda mais convencional. Personagens que o espectador enxerga com curiosidade mas que, no fim, revelam ser tão convencionais quanto os personagens a que está habitualmente em contato.

O que interfere na estrutura da narrativa, uma vez que, ainda que não saibamos exatamente como ocorrerá a catarse emocional entre Sofi e Jordan, sabemos desde cedo que ela virá em algum momento. Assistimos à bacia de água ameaçar transbordar a cada gesto, cientes de que a tranquilidade é insustentável e que, em algum momento, a água inevitavelmente transbordará. Desta forma, enquanto a observação dos processos coletivos do workshop carrega um olhar autêntico, o conflito que recobrem termina por convidar um olhar convencional à encenação.

Tanto é assim que o ápice emocional da obra surge – previsivelmente, dada a antecipação anunciada – durante as apresentações finais de seus participantes. Ali, dança, performance e narrativa convergem de uma maneira orgânica. Já a dinâmica entre as personagens centrais, e aqui nem me refiro às competentes atuações de Powers e Brown, é o ponto de maior fragilidade.

Sou capaz de reconhecer a delicadeza da abordagem de Lancaster, as inquietações apresentadas e a consistência com que explora temas como afeto e ressentimento dentro de um ambiente em que tudo parece harmônico. Contudo, em nenhum momento senti que aquelas dores se tornassem plenamente minhas enquanto espectador. Observei-as com interesse, por vezes com admiração, mas raramente com emoção. Isto pode ser uma limitação mais pessoal do que narrativa, especialmente porque Mother Future Self evita soluções simplificadas ou estado emocionais rasteiros. Quando coloca o véu da dança, tudo fica mais elusivo e interessante, porque não há lições de moral, nem blá blá blá de coaches motivacionais sobre superação de antigos processos.

Nesse momento do texto, costumo encontrar nas minhas palavras os motivos para ter permanecido mais inerte do que engajado, porém permaneço de alguma forma alienado do meus sentimentos. Mas se Lancaster propôs que algumas relações apenas acabam, então deve haver também um espaço para dizer que alguns filmes somente não dialogam conosco – embora sejamos capazes de admirá-los racional, intelectual e artisticamente. O jeito é seguir adiante.

Mother Future Self teve a première mundial no Festival de Tribeca, na seção U.S. Narrative Competition.

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English review

I recognize that I had difficulty becoming emotionally and spiritually involved with Mother Future Self, although I believe this has less to do with the experience developed by Tori Lancaster than with my growing sense of exhaustion toward a certain strain of American independent cinema that transforms unresolved relationships and unexpected reunions into journeys of self-discovery. Or, conversely, that turns spaces of retreat, spiritual connection, or artistic creation into arenas where the past insists on lingering.

Mother Future Self creates one of these environments: a nature retreat where participants reconnect with themselves and the world around them, explore mind and body, and ultimately create an artistic performance at the end of the experience. Within this setting, Sofi (Imani Jade Powers) and Jordan (Betsey Brown) reunite after years apart for reasons that are never entirely clarified, thereby creating the conditions for old conflicts to resurface. The contrast could hardly be more striking between the external experience and the internal one—that confused act of endlessly revisiting feelings and resentments.

The camp itself becomes synonymous with deceleration and with inhabiting the present. The sounds of birds native to the region, combined with the surrounding natural soundscape, fill the environment with an invitation to contemplation. Yet this serenity is threatened almost as soon as Jordan arrives, vibrating at a frequency entirely different from everyone else around her.

I admire the way Lancaster avoids immediately verbalizing the conflict through direct confrontation. We feel its presence through discomfort, through gestures and glances that reveal a tension disturbing not only the collective harmony but, above all, Sofi’s personal equilibrium. Viewed in this way, the narrative demonstrates considerable sensitivity in recognizing that not every emotional bond ends in a clear or definitive manner; that some scars neither make us better people nor help us understand the world and inhabit it more fully. Especially when the past remains a permanently unresolved presence.

The structure of the camp reinforces this idea. While participants are encouraged to develop bodily awareness, collaboration, and presence, the protagonists remain trapped in events that occurred nearly a decade earlier. It is an irony I appreciate: the space exists to teach its attendees how to inhabit the now, yet the film portrays characters incapable of abandoning what they continue to carry within themselves. This inevitably makes me think about the flashback as a narrative device. While many view flashbacks as cinematic mechanisms that provide information and explanation, I prefer to see them as tools that reveal how the past persists within the present and articulates itself as a parallel present, so to speak.

Speaking of articulation, the relationship between body and memory is perhaps the film’s most inviting aspect. Lancaster incorporates real dance exercises and practices developed within this kind of artistic residency. At times, the narrative seems willing to suspend its dramatic progression simply to observe bodies experimenting with movement. This gives the fictional narrative an almost documentary quality while also serving as a means for the viewer to develop a sensitivity toward an abstract art form such as dance, in which emotional states manifest physically before the camera through the movements of the performers.

At the same time, Mother Future Self is heir to a very specific branch of American independent cinema, one interested in emotionally wounded characters who reconnect with figures from their past within spaces of collective introspection, where such relationships can supposedly be processed and understood. The fact that these environments are populated by people who do not outwardly perform conventional behavioral patterns—although they experience them to some extent—only makes everything feel even more conventional. They are characters the viewer initially observes with curiosity, only to discover that they are ultimately just as familiar as those encountered in more traditional narratives.

This directly affects the film’s dramatic structure. Even if we do not know exactly how the emotional catharsis between Sofi and Jordan will unfold, we know from very early on that it will eventually arrive. We watch the basin threaten to overflow with every gesture, fully aware that the tranquility on display is unsustainable and that, sooner or later, the water will inevitably spill over. As a result, while the observation of the workshop’s collective processes carries an authentic perspective, the conflict layered upon them invites a far more conventional response to the staging.

So much so that the film’s emotional climax emerges—predictably, given the anticipation that precedes it—during the participants’ final performances. There, dance, performance, and narrative converge organically. By contrast, the dynamic between the central characters—and here I am not referring to the capable performances by Powers and Brown—remains the film’s weakest element.

I am fully capable of recognizing the delicacy of Lancaster’s approach, the concerns she raises, and the consistency with which she explores themes of affection and resentment within an environment where everything appears harmonious. Yet at no point did I feel that those wounds truly became my own as a spectator. I observed them with interest, at times even with admiration, but rarely with genuine emotion. This may be more a personal limitation than a narrative one, especially because Mother Future Self avoids simplistic resolutions and emotionally shallow shortcuts. Whenever it drapes itself in the veil of dance, everything becomes more elusive and more interesting, precisely because there are no moral lessons, nor any motivational-speaker platitudes about overcoming old traumas.

At this stage of a review, I usually find myself discovering within my own words the reasons why I remained more inert than engaged. Here, however, I remain strangely alienated from my own feelings. But if Lancaster’s film proposes that some relationships simply come to an end, then there should also be room to admit that some films simply do not speak to us—even when we are fully capable of admiring them on rational, intellectual, and artistic grounds. The only thing left to do is move on.

Mother Future Self had its world premiere at the Tribeca Festival, in the U.S. Narrative Competition section.